从照片到创作

1.写在前面的

写了很多很多，也算是对我自己长久思考和积累的交代，重点只有三章，重点可以在第一章的最后一个部分“那里是重点？”找到。

为什么我去写？

我从大一的寒假开始接触摄影，拍了很多东西，每次去拍摄的时候总会去思考为什么对于眼前的这幅景象我会选择去拍摄而不是画下来；或者为什么现在写实绘画还会存在？摄影，甚至手机摄影能达到的精细度都比人手绘画出来的东西精确太多。
大二的时候进行了一段时间的风景写生，几乎每次画画的时候我看到照片都会产生一些疑问：我几乎不可能比照片画的更好，甚至，如果我要表达着自己的东西或者觉得照片哪里不满意我可以利用电脑去直接修改照片啊。对于然后在课业结束的时候老师如是说到：“如果以后我们继续从事绘画事业的话，我们的画技可能就决定了我们的饭碗”。可是，为什么？为什么人们会为一个明显没有照片精细，甚至没有照片好看（如果对照片进行编辑的话）的画买单？或者，画面的必要表现形式是什么？为什么有些内容必须用画面去表达而不是照片？这引发了我的很多思考。

忠实地呈现自己所想

我喜爱陈丹青的态度，年轻的时候应该多犯错多去试错，别等到30、40岁的时候再错，那时候就晚了。我想在年轻的时候多写一些这种表达自己的东西，多去试错。所以这篇文章的很多内容都是我在毫无借鉴的情况下写的，有些资料也是我以前收集的，有可能很多内容无法做到特别客观。
人总是会变的，现在的所思所想在以后几乎是肯定的会变化。本文绝非真理，但皆为我所想。

那些是重点？

我在文章中做了很多铺垫和衍生，这里直接写出中心的地址，方便检索。
1.照片和绘画的必要表现形式
2.形式和内涵
3.从照片到创作

2.历史

如果我们需要去理解电子图像与绘画的关系，并且利用和转化电子图像，我们就必须了解摄影和绘画的历史。

绘画与摄影交织的历史

十九世纪初，尤其是经历了启蒙运动，欧洲各国开始了工业革命，科学思想逐渐开始占据人们的脑海，开启了拥抱科学的时代。这个变革的年代促使了艺术家个人的创造性，作品的独特性，以及其同自然同社会的各种关系发生了深刻的变化。摄影也在这个时期登上历史舞台。
1862年，包括安格尔在内的画家们写了联名抗议书，反对将摄影作为艺术，但是当时的法官如是说：“如果摄影作品是具有思想和精神，品味与智力的产物，具备个人的印记，那么他就会被称为艺术品。”
此后，艺术家和摄影师之间的关系一直都不太好。柯罗的画推崇的是“自然主义”，以自己的视点为基准进行绘画。他的画是如此让人信服，就好像真的站在这个位置眺望风景。显然，这跟一位摄影师拿着相机在这个位置按下快门得到的画面会是如此的相似。比起画家长时间的绘画，摄影只需要等待就可以得到画面。可能这就导致了摄影和以绘画为主的艺术家相处的并不太愉快。
直到印象派的出现，那群艺术家们开始更加关注于自己眼睛看到的，更加主观化的艺术，更加注重于自我表达。
印象派画家们比起之前的人们，他们更加包容接纳摄影，莫奈早期的名作《卡普辛大街》就借鉴了，艺术评论家路易勒鲁瓦却对这幅画很尖锐，他说“这幅画就是是用舌头舔出来的”。

早期的摄影需要较长时间的曝光，于是在拍摄街上的行人的时候就会产生模糊流动的效果。我们有理由相信正是这种模糊效果恰巧给了这些印象派画家“用舌头舔出来的”灵感。
打从一开始，摄影和绘画的关系就非常复杂。绘画也在一些方面影响着摄影，早期摄影所选择的题材和观点都由当时的绘画所普遍的出发点所决定。当时很多的摄影师原本都是画家，甚至现在也是。

曾经的“摄影师”现在的艺术家

因为摄影的出现，让“摄影师”变成了艺术家。
“至少”是从印象派开始，人们开始注意到自己，自己的感觉、感受，渐渐的开始主观。从描绘神明到描绘人本身、这个世界，再到描绘自己的感受。一个渐渐向内的过程。

3.照片和绘画的必要表现形式

艺术是揭示真理的谎言

“艺术是揭示真理的谎言”这句话是毕加索说的。
为何我要在开篇就说这句话，因为从这个角度来说绘画和摄影并无区别。或者说，这里说的是摄影和绘画的相同点。

《In the American West》（《在美国西部》），摄影师Richard Avedon的作品，他在这里拍了很多他所看到的美国西部，照片里的人瘦弱，脸上没有笑容，所有的照片都没有背景，只有人本身，让观看者只能聚焦于人本身，很多评论家批评这系列照片“真实的美国西部不是这样，人们的生活根本就没有那么痛苦，你所拍摄的都是谎言”， Avedon也认，他说：“我觉得他们是谁并不是那么重要，反正我们的出生和结局都一样，我更感兴趣的是生活及它包含的痛苦。”
他是想拍摄的是人，而不是美国西部，只是这个是在美国西部的所以叫《在美国西部》而不是《美国西部》。我是要去揭露这部分人生存状态的“真理”，所以用摄影撒了一个“谎言”。
是的，这确实不是真实的美国西部，那么，真理在哪里？
人们拍摄的照片，拍的都是“自己”，是自己眼中的世界，而不是客观的真实存在，不是别人告诉你的。就像一个球，所有人都觉得它是圆的，只有你偏偏觉得它是方的，你按照方的给它拍，这就是你看世界的方式，这就是和别人不一样的地方。哪怕是摄影，当你把相机架在那的时候，你就撒了一个谎。

摄影，和绘画一样，是主观的。

那么，如果意义一样，我们为什么要去用照片或者用绘画去描述呢？
因为必要。

什么是必要的表现形式

艺术是关于人（创作者）→物（创造物）→人（观看者）的，是一个意思的表达。如果一个意思可以用小说或者摄影表达，为什么要用绘画呢？为什么必须是绘画，为什么用绘画去表达更好，这就是必要的表现形式。因为我们使用这种方式去表现会更好，更符合。
那么必要的表现形式怎么体现呢？
我们拿摄影举例子。（因为它的必要性考究特别明显，探索的时间距现在也更近）
1888年，法国人勒普林斯录制了第一段真正意义上的连续影响《朗德花园镜像》，之后卢米埃兄弟制作了第一部真正意义上的电影《工厂大门》，但是有人质疑说日常生活中能看到的画面，为何要用电影去看？之后《水浇园丁》开始讲述故事，但是现在电影依然是只有固定镜头的简单短片，还没有找到电影作为一个媒体形式的“必要表现形式”为什么必须是电影，为什么一个故事要用电影去表达更好。随后，剪辑、移动镜头、升降格、特写镜头等电影技法的出现，让电影有了属于自己的创作技法，诞生了诸如大卫格里菲斯的《一个国家的诞生》，就这样，电影找到了它的“形式必要性”，它将电影作为独有的“视听语言”。这，就是电影的必要表现形式。而这种必要形式是建立在电影是可以动的，记述事情这一点上的。

为什么用绘画？

在前面拿电影举例子之后，我们来回到绘画，来看看绘画的必要表现形式是什么？
技法：笔触、堆叠，构图，等等，材质：油画、素描等等。先驱们早就找到除去绘画一开始表现出来的形态之外的形式。
那么，可以继续问，在有了这些表现形式之后，我们为什么选择绘画呢？
当我们去想去表达开心这个情绪，对于语言，我们可以只能说“开心”或者加上修饰词“特别开心”而对于那些复杂的开心，会特别难表达。一个一个艺术家，他会选择很多不同的方式去描述“高兴”。写实的，就画出自己高兴的表情、动作，抽象的，就用跳跃的色彩和变化的图像符号来表达内心的快乐，雕塑或装置，同样有自己的表达手段与形式。
（很难用语言去表达的“开心”）
语言文字所不能表述的东西，在艺术层面却可以得到充分表达。
艺术甚至可以表达“不表达”。
对于这些内容，我们只有利用绘画，用绘画的必要的表现形式才能表现。
当然，这里并不是说绘画是一种比语言更高级的语言（虽然绘画的出现时间确实比语言早）。绘画是关于空间的艺术，它没有描述一个事情的功能，对于某些内容的表述，我们还是得用文字甚至音乐。明显的例子，你能用绘画描述这篇文章吗？

为什么用摄影？

利用上文的思路。那么，摄影的必要表现形式是什么？
以自己对摄影的浅薄理解：长曝光、大景深、瞬时性等等等等。但这之间最重要的是“真实性”，我前文在说摄影的时候我说“而这种必要形式是建立在电影是可以动的，记述事情这一点上的”。那么，对于摄影，很简单了，是真实性让摄影得以留存。
对于我而言，我的看法是，摄影是一个主动的等待，一个“守多株待兔”的过程。相比较于绘画，它更加的被动，你产出的作品在绘画受到材质的影响之上，还要加上收到被拍摄物的影响。被拍摄物在一定程度上决定了你产出的上限（当然，在后期技术出现后这一点大为改观。即使是这样，标榜自己与其他摄影师不同的纪实摄影师也会落入俗套，这点在《摄影的陈词滥调》这本书里说的非常详细）。
那么单对于表达上，摄影弱于绘画吗？
不，摄影比绘画更真实。在本章第一部分我就说明了，甚至可以说反驳了这一观点，摄影也不是真实的。但是摄影拍摄的是真实存在发生的，人们对于这一点，会更加的感同身受，因为人们本能的意识到，这是真实存在的。所以同一个场景，摄影师摄下来的和画家画下来，表达的感觉完全不一样。
摄影，具有“真实”的能力。
这样说，摄影师守株待兔的是真兔子，而画家是画了一只兔子。当我们去单纯的描述一件事情的时候，我们带着真兔子和别人说发生的事是比画家描述的事接受度要高的。反映到现实世界就是历史了。
（看到它，你会想到什么？）
是的，画画也可以做到如此表现，但因为照片独特的必要表现形式，有一些题材选择照片会更好。

4.形式和内涵

创作的慰藉

本来是想拿梵高举例子的，无奈摄影师麦克奈尔 埃文斯的例子实在是太好了。
埃文斯在有一个幸福的童年，他的家境富裕，他的爸爸简直就是模范爸爸，有趣、还很照顾他，可在他上大学之后，家里突然破产，他才知晓当年父亲经营不善，一直没有和家里人说，在最后在过世之后他的经营史才被揭露出来。麦克奈尔开始不相信这一切，他开始拒绝回家，拒绝相信这段历史，在之后的九年里，他一直被这种情绪所困扰。直到2008年经济危机期间，他在旧金山开始了一个摄影项目，随着拍摄的进展，他意识到，这本来是一个相对客观的纪实项目，但却变的越来越有人情味，他总是去拍摄那些被遗弃的个人物品。
他意识到，驱动他创作的不是这个项目，而是他的家庭，他的父亲给他的感受。最后，他决定面对自己内心深处的复杂情绪，他希望通过摄影去回访一下这个过程，他回到了家乡，尝试去了解过去真正发生了什么。
在一年多后，他整理出一个作品集，叫《confessions for a son》（《对儿子的坦白》）。
（点击这里可以更详细的了解这部作品：https://americansuburbx.com/2015/04/mcnair-evans-confessions-for-a-son.html）
他开始理解父亲当年的处境。开始理解，有些事就是要走向一个无解的结局。最后他原谅了父亲，完成了对自己的告解。
他的作品里，有很多都是当年遗留下来单的老照片，构图粗糙，画面模糊，但是因为这是真实发生的历史，给了这些照片无与伦比的震撼感觉。在这里，麦克奈尔选择了照片进行讲述，而没有选择画，你可以说是因为他是一位摄影师而不是画家。但是我想更多的是那种超越了人本身限制的真实感，他需要摄影独特的表现形式。他拍下的是大自然中发生的，历史上确实存在，能被察觉的影像，是一种“复现而不是呈现”。画面中有一些超越了人本身的“事物”，是画家无法画出来的，而是这种“事物”带来的能量，使得他选择了摄影。
可以以此类推梵高为何选择绘画。

作品只是副产物

创作或许是人们告解自己的唯一途径。
艺术是告解，是因为它引发了思考，思考过后就是对自己的告解。
不管是写字、拍照，还是画画，还是搞音乐，它都会让你有机会去深入一些事情，处理一些情绪，让人体会当下的自己、世界，同时指明一条道路。
创作，不是说一定要做到什么程度，当然扬名立万是非常好的，但是这个创作的产物，实际上是对我们思考过程的一个投影，这个过程，是在成全自己的过程，而那个作品，只是副产物。
艺术创作是一个字和自己对话的过程。作品只是副产物。

基于以上当我们再去看那些那些在历史上扬名立万的作品（或者说受到很多人欣赏的作品），有的是在当时的时代完成了对于美的探究，有的是描绘了当时社会的情况。当一个艺术家尝试思考的问题也是多数人思考的问题的时候，那么这就是“人民的艺术”。

解释权的递交

如同我前面说的，艺术是关于表达的，艺术无时无刻不在表达，甚至不表达也是表达。
艺术是关于人（创作者）→物（创造物）→人（观看者）的。
在创作的时候，解释权是在创作者手上的，创作者对于自己的疑问，思想进行了思考与表达，一种媒介因自己的必要表现形式被选择作为载体，在创作者完成对自己的告解后作为副产品出现。直到这是，对于表达内容的解释权都在创作者手上。但是，当作品被观看者观看后，对于作品的解释权就被移到了观看者手上，观看者因为作品这个副产品开始被影响，结合自己的记忆，人格，三观，最终得到完整的表达，并作出相应的反应。此时，一件作品完成了。
但是，对于一些作品，可能由于观看者某些记忆、三观的不符，一些作品无法激发你的感受。
在我认为，特别是对于绘画，一个绘画作品如果观看者无法拥有相同的感受会永远无法理解。
至少对于绘画，走进博物馆，不要去问工作人员怎么解读这个作品，问自己，我看到了什么。如果你什么都没有看出来，粗俗点讲，这幅画不是你的菜。

5.从照片到绘画

形式必要性的转变

上文说了那么多，结果很明显了。首先就是必要性的转变，当拍照的时候，思考方式应该是寻找想表达的必须是只有绘画的形式必要性才能表述的画面，拍照只是一个记录。我需要知道那些内容。
在此，所以我们画画时，我们在照片中继承的只有元素。对问题、思想进行思考，用上画面的形式必要性，参考照片中的元素，完成画作。
所以如果一味的照抄，抄的完全一样，那么由于绘画表现的内容，照片也都完全可以表述，所以一味的照抄就是完全不可取的吗？

那些看似的特例：冷军们

说到画画画的和照片几乎完全一样的，最出名的莫过于冷军了。
那么冷军的作品就是没有意义的吗？
不，他表达了只有绘画才能表达的东西：技法。
在结果上看来，在这技法似乎没有意义了，因为根本看不出来笔触，或者颜料的堆积，但是过程上是有意义的，他探索了思考了人们能在技法上做到的极致是什么，再往下是什么样的。然后他做了他的作品们，进行了探索。
（对于冷军作品的就是，就如我“解释权递交”那里说的那样，这只是我从他的作品中得到的结果不代表冷军或者任何其他人）
这样举一个例子，人类不停的探索人们可以跑的多快，但是我肯定就算博尔特也没有我在我在街边扫的摩托车快，那么人类不停的尝试跑的更快有什么意义？过程上有意义。
但是说句不好听的，对于这方面的探索，冷军似乎已经做到了极致，再有后人去做，对于这些思考似乎已经完成，此时后人再去做，只要没有冷军的极致，或者说不是为了这个方向去努力，那就是空洞的复刻。那么现就可以问：为什么不去拍下来？
我好像一棒子打死了所有联考的人…但我认为事实就是这样，联考的人目的性在于考大学，而不是搞艺术。
我自己也是。

关于“无意识”的选择

有可能人们拍照或者画画只是因为觉得它美，完全无意识进行的；或者说有些人画画只是为了记录，自己本身上没有表达什么。但是，一切选择必然是有原因的，或者说，这是潜意识的选择。
绘画创作者不一定非要在意识中决定要去画某个画面来表达自己，也可以是他某个时刻在某个画面中的灵感闪现，而后他将之绘制在画面上，这也是一种“表达”。这种单纯的“表达”的目的只有一个——美感。对作者而言，这个画面他认为是“美”的，而他就单纯的想画出这种美感。这就是最简单、最单纯的“表达”。
也就是说，即使仅仅是在画面上表达了一种艺术美感，也是绘画的“表达”，也是一种“表达欲”的体现，是一种意思的传递。
可以去看看现代艺术做的东西，很多东西都是很奇怪的，甚至“反美学“的，很多作品要先去阅读艺术家自己写的tips才能一定程度上理解。很困难、不直接甚至“反美学”，但它是艺术的。

6.关于展望

到第五章结束，关于摄影与绘画间的种种我已说明完了。接下来的纯粹是处于对上面论述完之后对未来的展望和写文章时的有感而发。
下面有些是有些暴力的，寻求文章意义的过程。

消除掉界限吧

https://www.bilibili.com/video/BV1Fc411h77H
这里是一个讲述2d与3d动画结合运用的视频。选的例子不太好，但是以前看的几个比较好的例子链接找不到了。
前面说的现代艺术也一样。艺术家为了表达自己的意思，去设置了tips来协助观看者理解。
所有的艺术，包括语言本身，都是以传达为核心的。那么多年前国内艺术界曾有过一次大讨论，就是究竟是内容决定形式还是形式决定内容的问题，事实上最终并没有定论。（此消息来自于知乎）但是，在我上面论述这么多之后，很明显我都观点是内容决定形式，是线性的：思考、发现等等→内容→材质，当然，这前面说的也不是绝对的线性流程，它更像是设计性思维，是反复迭代的，（这里贴出我之前写的设计性思维：https://www.yuque.com/zhaoziqi/wqe6ib/hg0g5r）。这里材质的选择，可以更加的多元，让更多的东西融合起来，像照片和绘画，本身就是很贴近的东西，融合也非常简单，在表述中，可以根据自己表述的重点去做。

对我的意义

时代太快了，人总是在想、思考、输入，却从来没有去输出过。输出很重要，这样能够让人更加理清自己的所思所想。
写作的时候，其实是在强迫自己思考。

这娱乐至死的时代

以上所论述，皆为废话。从实用来说，从概率上来说，我浪费了3天的时间写这些。

以下结论纯粹是处于经验得出的，不具有普适性。

如果我们去注意我们身边的情况，其实大部分人对于艺术是不关心的，对艺术的认识也只停留在印象派那些东西，甚至，只知道梵高。对于现在的前沿艺术，人们却毫不知情，甚至认为现代艺术家都是类似“疯子”的形态。人们对于艺术家，甚至艺术的观点都是错误的。
再去看看人们现在的娱乐，全是关于以前早就出现的东西，去看看现在娱乐产业，都变成什么样了。真正的最前沿的艺术却鲜有人关注。
如果我看到的信息没错的话，现代艺术已经停止大发展很久很久了，或者说很久没有大的跃进了，开始变的越来越小众，越来越小圈。大部分人们购买现代艺术品不再处于本身的喜爱和共鸣，而是理财手段。大部分人购买的艺术品（不是艺术衍生品，比如复印的壁画）还是停留在印象派在那段时间，最多到极简主义。
艺术和科学不一样，它不是积累，一步一步往上走的过程。而是和革命一样，一个新的东西建立是要颠覆的。但是它又是要回归到时代本身的，回归的大众本身的。然而，大众本身对于现代前沿艺术了解的却越来越少，人们对于艺术的热情几乎消失殆尽，满满的全是偏见。历史不是由个人推动的，是由人民本身推动的。因为无法回归到大众，人民对于现代艺术毫无热情，现代艺术被困死在了这个时代。
这是反经验的，但是退远了看这好像是事实。
或许我不应该在这时候说这些，但是这些不在学生时代说要等到以后吗？以后更不能说了，因为我，甚至我们大概率都会投入到这个产业中。

所以我们歌颂的是过程，即使结局更差。
但那有什么用呢？

解法

这不可能是最优解法，但是希望能抛砖引玉吧。
让我们先来看看事实。现在人们的工作时间越来越长，已经是历史上的极值。艺术是处于需求金字塔顶端的东西，因此，大多数人们分配给艺术的时间越来越短。这是趋势，是无法阻挡的趋势。
但是，艺术本身也是有社交属性的，比如人们谈论艺术。

但是我们实际上每个人都知晓一点艺术，至少知晓梵高。为什么？因为我们有必须上美术课。然后因为我们都知晓梵高我们就可以在一起聊天了，满足了社交要求。
艺术是一个表达方式，它不是意念传播，它是需要学习的，特别是现代艺术，阅读很多现代艺术是要提前阅读作者写的卡片。
如果我们把人们一生的精力划成100，人们平均分给艺术的假设只有10，现在，这10的精力都投放在关于古典艺术上了。
所以我们如果想发展现代艺术，我们应该给孩子们教授现代艺术。占用那10的精力，让孩子们能看懂。无需担心，因为艺术本身不是积累的属性，即使对画画一窍不通的，也可以去看现代艺术。随着一代的成长，人们就渐渐的能看懂现代艺术了。
为了防止之前的情况再出现。随着艺术的发展，课本也会出现变化，这时不同时间上学的人们，知识差就出现了，这就是关键：人们之所以能社交，本质上是交换信息，在信息相同的情况下信息是无法交换的，但是随着课本的变化，信息差出现了人们会更加主动的去交流艺术。
艺术回归到了群众。